Encuestas de sensibilidad para adictos a lo romántico (Juan Carlos Pazos)

ASD · 2017-01-13T20:10:49+0100

Imagen:ASD

Era junio de 1980. Y viernes 13, como hoy. En las salas aterrizó una película de terror que casi inauguraba un género, el «slasher». Cuchilladas y adolescentes salidos: la palabra «distopía» aún no estaba de moda

José Luis Losa
http://www.lavozdegalicia.es/noticia/fugas/2017/01/13/hubo-cine-miedo-zombis/00031484236066535687813.htm

Este subgénero que contaba cómo un psicópata sin rostro -aquí era Jason, la incomprendida criatura del lago no tan azul- acuchillaba la carne trémula y jovial de una pandilla de adolescentes que iban siendo ejecutados en sus momentos de máximo fulgor hormonal; esto es, cuando practicaban sexo o, en su defecto, se fumaban un peta. Ah, los buenos conocedores de las reglas de este juego supieron muy pronto que para el acto final se reservaba el duelo ente el monstruo sin cara visible y una de las jovencitas, siempre una mujer y con frecuencia vestal, porque ya está dicho que los más promiscuos eran, infaliblemente, los primeros en caer asaeteados por el metal.
Para ser justos, hay que aclarar que el Viernes 13 de Sean S. Cunningham y su Jason no fueron los primeros en marcar territorio. Un año antes se le había adelantado otro caracortada, o cremada, con mayores ínfulas de autor: el Michael Myers de Halloween, que situó en el mapa a John Carpenter, con Jamie Lee Curtis pasando las de caín y la carismática calva de Donald Pleasence, al acecho. A medias entre el gremio de la policía y el de cazadores de vampiros. Halloween y Viernes 13, o lo que es lo mismo, Michael Myers y Jason, reinaron durante un intenso plan quinquenal. Ellos sentaron las reglas del juego: el rostro inescrutrable del homicida, el uso de espadas, hachas o sierras para sus ejecuciones, que eran instantáneas, nada de lenta tortura; una infancia traumática como explicación a su afición serial. Y el hecho de que el asunto se dilucidase entre este leatherface y los teenagers supsersalidos sin que, en ningún momento, los personajes adultos pintasen nada como intermediarios. En esos cinco años aprendimos otra característica del slasher: su facilidad para reproducirse en secuelas sin tino. Hasta cuatro entregas de cada una de estas franquicias vieron la luz antes de que, en 1984, llegase Wes Craven y mandase parar. Craven se consagró con una obra maestra que fue capaz de encarnar el tono onírico de los peores sueños en un personaje, Freddy Kruger, el cual creó tendencia y llegó a tener hasta una serie de televisión propia, casi como La hora de Lucille Ball. Con Pesadilla en Elm Street, Craven lograba confrontar al hombre del saco con un brat-pack de D.O.D, muertos al dormir, entre los que caía un todavía anónimo Johnny Depp. Freddy Kruger apareció hasta en la sopa. Tuvo hasta siete películas oficiales, sin contar cameos, videoclips y lo que el sueño de la razón y el hambre de dólar impusiesen. Aún fue más prolífico Jason, quien llegó a la octava parte de Viernes 13, dentro y fuera de Crystal Lake. Así las cosas, era inevitable el duet: y llegó Freddy contra Jason, que no dejó rehenes. Acabó con el poco prestigio que restaba a ambos malandros. El vacío había sido ya reocupado por Wes Craven, quien en Scream tomaba prestada, como careta, el horror de rostro alargado de Edward Munch para edificar con buen pie otra rentable franquicia en la que la star Drew Barrymore duraba menos que Janet Leigh en Psicosis. A la careta munchiana de Scream -que mereció un spin off paródico, Scary Movie- le sucedió el pescador manco de Sé lo que hicisteis el último verano. Y a este, la muerte jugando a la ruleta en Destino final, que arrancó con una primera parte genuina, quizás el mejor guion del subgénero junto al de la primera Pesadilla de Craven.
Pero el slasher entró en el nuevo milenio desangrándose. Y es que entre las seis franquicias citadas sumaron nada menos que treinta y siete agotadoras películas. No se puede negar que la carnicería y la broma permitieron ser estiradas como las gomosas vísceras de un zombi. Y precisamente por ahí los monstruos con cara de cuero o de acelga del slasher hicieron mutis. Ellos, Jason, Michael Myers, Freddy Kruger, veneraban la carne roja que rasgaban. Pero nunca imaginaron que comiéndola, al estilo no-vivo, heredarían el terror del siglo XXI que ya solo quería caminar de la mano de un zombi.

LA EVOLUCIÓN DE LAS PELÍCULAS DE TERROR

JASON NO TOMABA REHENES

Como un Norman Bates anfibio, Jason inauguró el «slasher» en sentido estricto, si consideramos que Halloween cumplía solo a medias los requisitos de este subgénero. Hasta en ocho ocasiones protagonizó su show de cacería de adolescentes.
UN DOS, TRES, DÓNDE ESTÁ FREDD

Wes Craven, que ya había avisado de su talento en «La última casa a la izquierda» y en «Las colinas tienen ojos», hace realidad el terror emanado de los peores sueños. Y Freddy Kruger, el hombre del saco de la función, alcanzó, sin duda, la categoría de celebrity.
SCREAM, MIRA QUIÉN LLAMA

De nuevo Craven revivificó el terror «slasher» con esta saga en la que, en un claro guiño al asesinato en la ducha de la Janet Leigh de «Psicosis», descolocaba cuando, en el segundo susto veíamos a la entonces superestelar Drew Barrymore.
EL TERROR QUE VIENE

Lejos de extinguirse, la veta zombi ofrece dos de las mejores películas de terror de la temporada: «La autopsia de Jane Doe» y, sobre todo, la extraordinaria «The Girl with All The Gifts», donde Glenn Close se pone el mono de liquidadora.

Comancheria es el título original de la obra: comanche, en la lengua nativa de esta tribu, significa "enemigo de todos", como bien nos explican en una escena de la película. En EEUU han preferido cambiar el título por el mucho más poético, Hell or high water, que podría traducirse como "contra viento y marea" y que refleja perfectamente esta aflicción que lleva a los protagonistas a delinquir para poder sobrevivir.

Esta película de forajidos ambientada en la actualidad habla de una lucha encarnizada entre hombres que no conocen el descanso, los amigos o las confianzas. Como los antiguos comanches, tienen enemigos allá donde vayan, viven con la muerte a cada esquina. El humor negro aparece como seña de identidad; y el paisaje tórrido y desolador de la Texas rural actúa como telón de fondo de este western rústico y crepuscular que combina el atraco a unos bancos aislados y cutres con el amor a la familia o la fidelidad al terruño, que presenta provocadores poses racistas nada complacientes y los subvierte con pinceladas de lealtad inquebrantable hacia el compañero abatido y que había sido el blanco del agravio y las burlas de su hosco superior.

El petróleo y la pobreza separados por unas barreras invisibles que condicionan el devenir cotidiano de unos personajes marginales que sobreviven entre la amargura, la mugre, la infelicidad y la aspereza del infortunio. El drama de una fatalidad ordinaria que se rebela y se revuelve y trata de salir adelante a golpe de revólver, de conjura y de tesón. Y lo hace a través de una loca contrarreloj para evitar la espada de Damocles de una deuda imposible y así hacerse un hueco entre los agraciados con el sueño americano, los venturosos del fajo de billetes y la vida feliz, donde el sol no solo ilumina sino que calienta un dulce porvenir al alcance de los que viven en el desahogo y la despreocupación. Mejorar no es sólo una intención, sino la necesidad del perjudicado en un juego de azar arbitrario e indecente.

“Comanchería” se nos presenta con coches y camionetas en lugar de caballos, utilizando personajes complejos con estereotipos desgastados, donde la trma sigue la estela de producciones de finales de los años 60 y principios de los 70 que vieron en el western una oportunidad de difundir y extender su crítica sobre la sociedad américana y sus valores, como “El Pequeño Gran Hombre” (1971) de Arthur Penn o “Grupo salvaje” (1969) de Sam Peckinpah. Es una amarga y cínica reflexión sobre el concepto arraigado existente en el viejo oeste sobre la tierra y la propiedad, además del papel importante que juega como símbolo identitario de la sociedad americana.

También es curiosa y lograda su combinación en esta historia dramática las ciertas dosis de humor, de crítica social y económica, con esos personajes que tienen un mundo interior y sus razones para obrar como lo hacen. Para ello cuenta con un buen guión articulado con pulso desde la dirección por David MacKenzie, un director que ha ido progresando y que en “Comanchería” ha estado muy inspirado, tanto, que parece más tejano que escocés.

Como suele ser habitual en muchos films de “autor” bien pensados y ejecutados, destacar su selección de temas, con una muy buena banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis a los cuales nos alegraría que lograran ser nominados, quizás para, a pesar de su “malditismo”, que sus carreras sean reconocidas de cierta manera. Destacable es la labor en el montaje de Jake Roberts, y la dirección artística y decorados de Steve Cooper y Wilhelm Pfau, aunque en apariencia no llamen la atención. Además de la citada labor fotográfica de Giles Nuttgens, también la elección de los actores ha sido un logro de lo más llamativo. Todos destacan por ajustarse a los personajes propuestos y por ser buenos profesionales. Quizás el más beneficiado del reparto haya sido un estupendo Jeff Bridges, que de forma astuta ha resaltado más la edad que su atractivo, llevando a su terreno al peculiar sheriff Marcus Hamilton que encarna. Un buen actor que con el tiempo se ha convertido en un notable vino de reserva, sin duda.

“Comanchería”, por todo lo dicho, es un ejemplo de cine con ambiciones logradas, con una base de inteligencia y sorna, que han hecho que deba ser tenida en cuenta como un cine a respetar y un modelo a seguir, nunca a imitar, porque eso es otro concepto que intentarían emular los más mediocres, y de eso no se trata.

EL PAÍS http://cultura.elpais.com/cultura/2016/10/25/actualidad/1477419783_747674.html

“El libro digital ha muerto”. Algún día tendremos que acostumbrarnos a titulares así. ¿Por qué no? En 2008 un millar de profesionales consultados por la Feria de Fráncfort puso fecha al momento en que la venta de libros electrónicos superaría a los de papel: 2018. Nos quedan dos años. Tal vez pecaron de optimismo —en EE UU supone el 25% del negocio y en España apenas supera el 5%—, pero algún día otros optimistas dirán que el e-book será superado por el invento que toque. Los libros no siempre fueron como los conocemos. De hecho, antes de que lo fueran hubo que escuchar que el alfabeto terminaría con la memoria o que la fragilidad del papel nunca podría competir con la solidez del pergamino.
La lectura ha pasado por tantos avatares que no merece la pena perder el tiempo siendo integrado o apocalíptico, pero los apóstoles del futurismo harían bien en contar con las predicciones de los mil de Fráncfort y con el hecho de que casi la mitad de los españoles confiesa no leer nunca. Y, sobre todo, que el 20% de esa mitad reconoce no hacerlo porque no les gusta. Parece difícil que un nuevo formato les haga cambiar de gusto.
Hay quien dice que la imaginación no es más que memoria fermentada, y en el acto de leer se dan la mano esas dos capacidades: imaginar y recordar. Puede que un día la sociedad se divida entre lectores, en el formato que sea, y no lectores. La cuestión es saber quién tendrá no más cultura sino más memoria con la que producir imaginación. Entre otras cosas para saber que el mundo no siempre fue así y para imaginar que puede ser de otra manera. También puede que un día se invente algo que nos lleve al mismo sitio que un libro sin necesidad de leerlo. ¿Nos daría igual un cuadro que una inyección que produjera los mismos efectos que ese cuadro? Algo así se preguntaba Wittgenstein.
Tal vez un día leer sea solo parte de un tratamiento médico. A algunos enfermos que necesitaban moverse los médicos antiguos les recetaban lectura, considerada un ejercicio físico como correr o caminar. Lo recuerda Jean Leclercq en El amor a las letras y el deseo de Dios (Sígueme), una introducción a los autores monásticos de la Edad Media, esa época a la que —con las Humanidades camino del monasterio y un juglar como Nobel de Literatura— tanto empieza a parecerse la nuestra.

Canta el gallo,
despierto y te amo,
te amo y despierto.

NUEVA YORK

Una ciudad con dos ríos.
Chinos, negros y judíos
con idénticos anhelos.
Y millones de habitantes,
pequeños como guisantes,
vistos desde un rascacielos.
En el invierno, un cruel frío
que hace llorar. En estío,
un calor abrasador
que mata al gobernador
–que es siempre un señor con lentes–
y a los doce o trece agentes
que llevaba alrededor.
Soledad entre las gentes.
Comerciantes y clientes.
Un templo junto a un teatro.
Veintitrés o veinticuatro
religiones diferentes.
Agitación. Disparate.
Un anuncio en cada esquina.
«Jazz-band». Jugo de tomate.
Chicle. «Whisky». Gasolina.
Circuncisión. Periodismo:
diez ediciones diarias,
que anuncian noticias varias
y todas dicen lo mismo.
Parques con una caterva
de amantes sobre la hierba
entre mil ardillas vivas.
Masas con fama de activas,
pero indolentes y apáticas.
«Estrellas», actrices, «divas»
y máquinas automáticas.
Oficinas sin tinteros:
con «Kalamazoos», ficheros,
con nueve timbres por mesa
y con patronos groseros
de cara de aves de presa.
Espectáculos por horas.
«Sandwichs» de pollo y pepino.
Ruido de remachadoras.
Magos y adivinadoras
de la suerte y del destino.
Hombres de un solo perfil,
con la nariz infantil
y los corazones viejos.
El cielo pilla tan lejos,
que nadie mira a lo alto.
Radio, Brigadas de Asalto.
Garajes con ascensor.
Cemento. Acero. Basalto.
Sed. «Coca-Cola». Sudor.
Prisa. Bolsa. Sobresalto.
Y dólares. Y dolor:
un infinito dolor
corriendo por el asfalto
entre un «Cadillac» y un «Ford».

Enrique Jardiel Poncela

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Jardiel_Poncela

Enrique Jardiel Poncela
Enrique Jardiel Poncela
Información personal
Nacimiento	15 de octubre de 1901 Madrid, España
Fallecimiento	18 de febrero de 1952 (50 años) Madrid, España
Nacionalidad	española
Información profesional
Ocupación	escritor
Años activo	siglo XX
Género	novela, teatro, guión cinematográfico
Obras notables	Eloísa está debajo de un almendro, Los ladrones somos gente honrada, Los habitantes de la casa deshabitada (1942)
Distinciones	Premio Nacional de Teatro
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Enrique Jardiel Poncela (Madrid, 15 de octubre de 1901-ibídem, 18 de febrero de 1952) fue un escritor y dramaturgo español. Su obra, relacionada con el teatro del absurdo, se alejó del humor tradicional acercándose a otro más intelectual, inverosímil e ilógico, rompiendo así con el naturalismo tradicional imperante en el teatro español de la época. Esto le supuso ser atacado por una gran parte de la crítica de su tiempo, ya que su ironía hería los sentimientos más sensibles y abría un abanico de posibilidades cómicas que no siempre eran bien entendidas. A esto hay que sumar sus posteriores problemas con la censura franquista. Sin embargo, el paso de los años no ha hecho sino acrecentar su figura y sus obras siguen representándose en la actualidad, y se han rodado además numerosas películas basadas en ellas. Murió de cáncer, arruinado y en gran medida olvidado, a los 50 años.

Índice

Biografía

Portal de la casa natal de Jardiel Poncela, en Madrid

Existen diversos biógrafos de Enrique Jardiel, entre ellos su hija Evangelina Jardiel Poncela, quien pudo recurrir a anotaciones que su padre había dejado en cuadernos.¹ No obstante, se sabe que el propio Enrique Jardiel tenía como proyecto en los últimos días de su existencia escribir una autobiografía titulada Sinfonía en mí. Este proyecto se vio frustrado por su enfermedad. Los prólogos de sus grandes novelas muestran detalles autobiográficos. Una de las biografías es Mío Jardiel, escrita por su amigo Rafael Flórez en los años sesenta. A ellas hay que añadir la de su amigo Miguel Martín (El hombre que mató a Jardiel Poncela) y dos realizadas por su nieto, Enrique Gallud Jardiel (Enrique Jardiel Poncela: La ajetreada vida de un maestro del humor y Jardiel: la risa inteligente). Recientemente han aparecido dos biografías muy completas, la de Víctor Olmos, titulada Haz reír, haz reír, y la de Juan Carlos Pueo, con el título de Como un motor de avión: Biografía literaria de Enrique Jardiel Poncela.

Primeros años

Enrique Jardiel Poncela nació en Madrid, en el número 29 de la calle del Arco de Santa María (hoy calle de Augusto Figueroa, perpendicular a Fuencarral). Su padre fue Enrique Jardiel Agustín, matemático, latinista y periodista colaborador de La Correspondencia de España y de otros diarios. Era natural de la población zaragozana de Quinto (nacido en 1864). Su madre Marcelina Poncela Hontoria era pintora, y fue una de las primeras mujeres en optar a estudios de bellas artes en Madrid en 1884. Poco después de su casamiento con Enrique Jardiel Agustín en 1894, ejerció como profesora en Valladolid (su ciudad natal) y con ello contribuía a la economía familiar. La abuela materna tuvo previamente cierta amistad con Vital Aza y esa influencia se transmitió hasta Enrique por vía materna (otros autores mantienen que Marcelina tuvo propuesta de matrimonio del mismo Vital Aza antes de casarse con Enrique).² Al poco de nacer el primer hijo en 1895, el abuelo exigía su nacimiento en la Casona de Quinto como mantenimiento de una tradición familiar. Tras la primera hija (Rosario), vino la segunda (Angelina), la tercera hija (Aurorita) murió al poco de nacer.
Enrique fue el cuarto (y último) de los hijos, nacido en 1901 en Madrid. Los cuatro hermanos fueron educados por la madre. Crecieron en un entorno lleno de libros, pinturas y esculturas. En 1905, inició sus estudios en la Institución Libre de Enseñanza (ubicada en la calle General Martínez Campos) con dos de sus hermanas, que continuó a partir de 1908 en la Sociedad Francesa (Liceo Francés) hasta cumplir los diez años. Era esa época cuando la madre le puso como mote «Potito». Como Enrique era el único hijo, el padre quiso que estudiara. Existía en Enrique una tendencia natural a los dibujos e ilustraciones, los guardaba a menudo con la intención de escapar a la severa vigilancia de su madre. Según cuenta él mismo, a los siete años solía visitar el Museo del Prado en compañía de su madre y, a los nueve acostumbraba a acompañar a su padre a la tribuna de prensa del Congreso de los Diputados, donde presenció numerosos debates políticos. La tendencia a dibujar apareció en Enrique antes que la de escribir. A temprana edad detectaron en él un ligero estrabismo, que desaparecería «casi en su totalidad». En 1912, se trasladó al Colegio de los Padres Escolapios de San Antonio Abad (conocido como «Escuelas Pías de San Antón», en la calle de Hortaleza) en Madrid, donde estudió el bachillerato y en cuya revista Páginas Calasancias publicó sus primeros textos humorísticos. Ya desde esta primera época de bachillerato en los Escolapios era conocido por su actividad nocturna ligeramente rebelde. No era un alumno modelo. A pesar de ello, a los diez años escribió el primer verso, a los once su primera novela. Se titulaba Mondalud de Brievas, y al poco de terminarla lo anunció a la familia y en un huerto de Quinto la leyó ante ellos. Su infancia se llenó de juegos en los solares de la Castellana, en las rifas que organizaba su madre en el Comercial. Pronto destacó Enrique por su extremada imaginación.
En 1916, la familia cambió de domicilio a la calle Churruca nº 15, y uno de sus nuevos vecinos, el poeta Manuel Machado, hermano de Antonio, le animó a seguir con su vocación de escritor. Otro de sus vecinos fue Serafín Adame, de su misma edad y con quien escribirá numerosas obras en los siguientes diez años. En 1917 su madre comenzó a sentir unos dolores sospechosos en el vientre. Un año antes había sido operada de una oclusión intestinal, y al abrir el doctor encontró diversos tumores con adherencias. A pesar de todo, ella se recuperó, hasta llevar una vida sin grandes dificultades. Ese mismo año, a pesar de un largo peregrinaje por diversos doctores, de periodos de esperanza unidos con desánimo, y de los cuidados de su familia, su madre falleció, y fue enterrada en Quinto, el pueblo de su marido. Durante su padecimiento, Enrique estuvo siempre a su lado. Al acabar todo, regresó a Madrid muy afectado, estudió en el Instituto San Isidro (ubicado en la calle de Toledo) e hizo su preparatorio para iniciar su carrera. En estos instantes conoció a José López Rubio (comediógrafo español), quien sería amigo desde esos años de preparación de carrera. Vivía en esta época con su padre viudo y con sus hermanas en la calle Churruca. Preparó unas oposiciones a Hacienda, que no logró. Su primer oficio sería el de periodista; su primera novela, El plano astral, y su primera obra de teatro, La banda de Saboya. Conoció a Amparito, la que sería su primera novia, durante siete años.

Comienzos como escritor

En 1919 se empezó a acostumbrar a escribir en los cafés de Madrid. En ese mismo año su hermana Angelina se casó con Augusto Linares y abandonó la casa familiar. Enrique continuó yendo en los meses estivales a la casa familiar de Quinto. Hizo sus primeras colaboraciones, artículos y cuentos, en distintos periódicos, La Nueva Humanidad, La Correspondencia de España y Los Lunes de El Imparcial, y entró en la redacción de La Acción en 1921 y en la de La Correspondencia de España al año siguiente (ubicada en la Puerta del Sol, justo encima de la pastelería La Mallorquina). Ese mismo año comenzó a publicar en la revista Buen Humor, referencia fundamental del nuevo humorismo literario español. Eran famosas las reuniones con sus amigos en el 15 de la calle Churruca, en largas veladas que denominaban el bazar turco. A comienzos de los años veinte la actividad creadora le acompañaba y escribió numerosas obras de teatro. En estos años conoció a José López Rubio, con quien colaboró literariamente, y a Ramón Gómez de la Serna, que ejerció una gran influencia sobre él en lo personal y en lo literario.
A partir de 1923 abandonó el periodismo, aunque mantuvosu colaboración con Buen Humor, para dedicarse por entero a la literatura; publicó dos novelas cortas, El hombre a quien amó Alejandra y El infierno. Se dedicó también al teatro, donde siguió sus colaboraciones con Serafín Adame y con otros autores. Asistió a la tertulia recién estrenada por Ramón Gómez de la Serna en el viejo café de la calle Carretas: Café Pombo (a la que se conocía como La sagrada cripta del Pombo). Enrique fue uno de los contertulios más jóvenes, y por esta época firmó algunos de sus artículos como «Jardiel, alférez de Castilla». En 1926 comenzó a convivir con Josefina Peñalver, mujer separada y que tenía un hijo de su relación anterior. Jardiel empezó a escribir en Gutiérrez, revista recién fundada y heredera de la tradición de Buen Humor. Su vitalidad lo llevaría a fundar una publicación titulada La Novela Misteriosa, revista que desapareció tras nueve números a consecuencia de una huelga del cuerpo de Correos. En esta publicación emitió Enrique algunas de sus pequeñas obras que él mismo denominó "juguetes cómico-líricos".
En febrero de 1927, debido a fuertes problemas económicos de subsistencia, con un año de convivencia junto a Josefina, ambos decidieron separarse amistosamente. Con este ambiente de necesidad empezó a escribir la obra de teatro Una noche de primavera sin sueño. En este mismo año dejó de colaborar con Serafín Adame, se replanteó su literatura y, tras escribir dos comedias que no llegaron a editarse ni a representarse, estrenó por fin, el 28 de mayo en el Teatro Lara de Madrid, Una noche de primavera sin sueño, primera comedia representativa de su forma de hacer teatro y humor. La obra fue un éxito. Escribió la obra en algunos cafés, sobre todo en el Café Gijón,² cercano a su vivienda. En 1928 nació su primera hija, fruto de su relación con Josefina: Evangelina, a la que permanecería muy unido toda su vida y que escribiría una biografía sobre su padre.¹ A finales de 1929 conoció a José Ruiz-Castillo, que tenía como objetivo publicar una colección sobre «Grandes novelas humorísticas» en la editorial Biblioteca Nueva. Su conocimiento espoleó a Jardiel hacia nuevos rumbos.

Primeras grandes obras

Escena del estreno de la obra de teatro Usted tiene ojos de mujer fatal, en 1933.

Escribía en el viejo Café Universal, y se trasladó luego a las mesas de mármol de otros cafés madrileños de la época: Café Europeo (glorieta de Bilbao y Carranza), la Granja de Henar, Café de las Salesas y Café Castilla, entre otros. Finalmente, tras trabajar en diversos cafés, en 1929 publicó con éxito la que sería su primera novela: Amor se escribe sin hache. Pretendía con su publicación combatir, con cierto humor, al propio género de novelas de amor. Al año siguiente, se publicó la segunda novela: ¡Espérame en Siberia, vida mía!, elaborada entre el uno de abril y el veinte de julio. Este mismo año 1930, su obra teatral El cadáver del señor García es un rotundo fracaso. En 1931 publicó una nueva novela, Pero... ¿hubo alguna vez once mil vírgenes?, que alcanzó bastante éxito.
En 1932 se estrenó en Valencia su comedia Usted tiene ojos de mujer fatal, y publicó su cuarta y última novela, La tournée de Dios. Se trasladó a Hollywood, contratado por la Fox para trabajar en la versión en castellano de algunas películas de la productora. Regresó de Estados Unidos en marzo de 1933 y estrenó en Madrid Usted tiene ojos de mujer fatal. Escribió el guion para la película Se ha fugado un preso, dirigida por Benito Perojo. En septiembre viajó a París, también por encargo de la Fox, a los estudios Billancourt.
En 1934 se publicó el primer tomo de su obra teatral, Tres comedias con un solo ensayo, y estrenó Angelina o el honor de un brigadier, que más tarde sería titulada Angelina o un drama en 1880. En julio viajó nuevamente a Hollywood, donde permaneció hasta marzo del año siguiente; durante esta estancia rodó una versión cinematográfica de Angelina o el honor de un brigadier. Este mismo año conoció a la actriz Carmen Sánchez Labajos, que sería su compañera hasta su muerte y con la que al año siguiente procreó a su segunda hija, María Luz.

Guerra y posguerra

Escena del estreno de la obra de teatro Cuatro corazones con freno y marcha atrás, en 1936.

A lo largo de 1935 y 1936 estrenó las comedias Un adulterio decente, Las cinco advertencias de Satanás y Morirse es un error, y a esta última la intitulará, después de la Guerra Civil, Cuatro corazones con freno y marcha atrás. Al iniciarse la guerra fue detenido, el 16 de agosto, y llevado a una checa (local que utilizaban los milicianos de izquierda como cárceles), acusado, por una denuncia anónima, de haber dado cobijo en su casa al exministro de la Segunda República Rafael Salazar Alonso, ejecutado unos meses más tarde. Demostrada la falsedad de la denuncia, fue puesto en libertad pocos días después.³
En 1937, consiguió salir de España, y marchó a Francia y seguidamente a Argentina, donde trabajó para el cine y para la radio. En 1938 regresó a España a través de Portugal, y se estableció en San Sebastián, en la zona franquista, hasta la finalización de la guerra. En 1939 regresó a Madrid, donde el 16 de junio estrenó la opereta Carlo Monte en Monte Carlo, con música de Jacinto Guerrero, y el 21 de octubre la comedia Un marido de ida y vuelta. Realizó un doblaje cómico para una antigua película muda, Mauricio, o una víctima del vicio.
En los primeros años de la década de los cuarenta, su capacidad creativa era enorme y así, volcado en el teatro, estrenó gran cantidad de obras: Eloísa está debajo de un almendro, en mayo de 1940, en el Teatro de la Comedia de Madrid, considerada su obra maestra; El amor sólo dura 2.000 metros, Los ladrones somos gente honrada y Madre (el drama padre), en 1941; Es peligroso asomarse al exterior y Los habitantes de la casa deshabitada, en 1942, y Blanca por fuera y Rosa por dentro, Las siete vidas del gato y A las seis en la esquina del bulevar, en 1943. Este mismo año se estrenó la versión cinematográfica de Eloísa está debajo de un almendro, dirigida por Rafael Gil, y creó la Compañía de Comedias Cómicas.
En 1944, inició una gira por América Latina que tuvo que suspender antes de tiempo en Uruguay, debido a los incidentes causados por republicanos exiliados y uruguayos contrarios al régimen franquista, que reventaron los estrenos.⁴ El consiguiente fracaso económico, junto al fallecimiento de su padre ese mismo año, que le sumió en una crisis personal, fueron el comienzo de su decadencia económica y personal.

Últimos años y fallecimiento

A pesar de los reveses sufridos, Jardiel continuó escribiendo sin descanso. En 1945, año del estreno de la película Es peligroso asomarse al exterior, de Alejandro Ulloa y basada en su obra, estrenó Tú y yo somos tres, El pañuelo de la dama errante y El amor del gato y del perro, y en 1946, Agua, aceite y gasolina, que provocó un escándalo el día del estreno, y El sexo débil ha hecho gimnasia.
Ese año, el Consejo Superior de Teatro le otorgó el Premio Nacional de Teatro, pero su salud siguió resintiéndose: a la muerte de su padre y el fracaso de la gira americana se unieron un desengaño amoroso y el diagnóstico de un cáncer de laringe. A partir de 1946, apenas estrenó un par de comedias, Como mejor están las rubias es con patatas, en 1947, y su último estreno, Los tigres escondidos en la alcoba, en 1949, que se convirtió en un nuevo fracaso, lo que supuso su definitiva ruina física y económica. En sus dos últimos años de vida publicó artículos y recopilaciones y ofreció algunas conferencias.
Falleció, arruinado y abandonado por muchos de sus amigos, el 18 de febrero de 1952 a la temprana edad de 50 años. En su nicho figura como epitafio una frase suya: «Si buscáis los máximos elogios, moríos.»
La vinculación con el teatro continuó en su familia. Su hija María Luz, sus nietas Rocío y Paloma Paso Jardiel, su nieto Enrique Gallud Jardiel y su bisnieto Darío Paso se han dedicado a la interpretación.

Estilo

La originalidad de Jardiel no reside tanto en la selección de los temas como en la creación de situaciones grotescas, ridículas o increíbles, lo cual consigue por medio de ironías, diálogos vivaces, equívocos, sorpresas o contrastes de estilos y registros, mezclando a menudo lo sublime y lo vulgar.
Su novedad se caracteriza básicamente por:

El encadenamiento de situaciones inverosímiles, lindantes con el teatro del absurdo.
La utilización medida y rigurosa de la comicidad en el lenguaje, sin abusar del chiste fácil.
El dominio absoluto de la construcción dramática, el cual le permite dosificar los efectos de sorpresa y alternar sabiamente los momentos de intriga con los de puro humor.
La inclusión de tramas de tipo novelesco o detectivesco, en forma de pastiche literario.
El cultivo de un humorismo de raíz intelectual, ingenioso, agudo y mordaz, con tintes que lo acercan al aforismo.

En cualquier caso, siempre bajo el truco, el disparate o la situación más absurda, esconde una dura y amarga crítica a la sociedad, reflejo de su desencantada visión de la realidad. Valgan como ejemplos Angelina o el honor de un brigadier (1934), sátira del mundo sentimental y posromántico de finales del siglo XIX, o Madre (el drama padre), crítica al teatro naturalista.

Legado

El influjo del estilo de Jardiel sobre muchos de sus contemporáneos es algo fuera de toda duda. Alfredo Marqueríe acuñó el término jardielismo e insistió en que en ciertas obras de Edgar Neville, de Calvo Sotelo, de José López Rubio, de Miguel Mihura, de Tono, de Víctor Ruiz Iriarte, en los tipos que presentan, en las situaciones, en el juego coloquial, la huella de Jardiel está siempre presente. Entre los autores que reciben y reconocen su influjo se hallan Jorge Llopis, Álvaro de Laiglesia, Alfonso Paso, Juan José Alonso Millán, Carlos Llopis, Ignacio Amestoy, Ramón Paso y otros.

Obra

Novela

Amor se escribe sin hache (1928)
Espérame en Siberia, vida mía (1929)
Pero... ¿hubo alguna vez once mil vírgenes? (1931)
La tournée de Dios (1932)

Ensayo

Tres comedias con un solo ensayo, 1933.
Cuarenta y nueve personajes que encontraron su autor, 1936.
Dos farsas y una opereta, 1939.
Una letra protestada y dos letras a la vista, 1942.
Tres proyectiles del 42, 1944.
«Agua, aceite y gasolina» y otras dos mezclas explosivas, 1946.
De «Blanca» al «Gato» pasando por el «Bulevar», 1946.

Teatro

El príncipe Raudhick, 1919.
La banda de Saboya, 1922.
Mi prima Dolly, 1923.
¡Te he guiñado un ojo!, 1925.
La hoguera, 1925.
La noche del Metro, 1925.
¡Achanta que te conviene!, 1925.
El truco de Wenceslao, 1926.
¡Qué Colón!, 1926.
¡Vamos al Romea!, 1926.
Se alquila un cuarto, 1925.
Fernando el Santo, 1926.
No se culpe a nadie de mi muerte, 1926.
Una noche de primavera sin sueño (1927)
El cadáver del señor García (1930)
Usted tiene ojos de mujer fatal (1932)
Angelina o el honor de un brigadier (retitulada Angelina o un drama en 1880, 1934)
Un adulterio decente (1935)
Las cinco advertencias de Satanás (1935)
Intimidades de Hollywood, 1935.
La mujer y el automóvil, 1935.
El baile, 1935.
Morirse es un error (retitulada Cuatro corazones con freno y marcha atrás, 1935)
Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1936)
Carlo Monte en Monte Carlo (opereta con música de Jacinto Guerrero, 1939)
Un marido de ida y vuelta (1939)
Eloísa está debajo de un almendro (1940)
Los ladrones somos gente honrada (1940)
El amor sólo dura 2.000 metros (1941)
Madre (el drama padre) (1941)
Es peligroso asomarse al exterior (1942)
Los habitantes de la casa deshabitada (1942)
Blanca por fuera y Rosa por dentro (1943)
Las siete vidas del gato (1943)
A las seis en la esquina del bulevar (1943)
Es peligroso asomarse al exterior (1945)
Tú y yo somos tres (1945)
El pañuelo de la dama errante (1945)
El amor del gato y del perro (1945)
Agua, aceite y gasolina (1946)
El sexo débil ha hecho gimnasia (1946)
Como mejor están las rubias es con patatas (1947)
Los tigres escondidos en la alcoba (1949)

Novela corta

La victoria de Samotracia, 1919.
La dama rubia, 1920.
El caso de sir Horacio Wilkins, 1922.
El plano astral, 1922.
Aventuras de Torthas y Pan Pin Tao, 1922.
El misterio del Triángulo Negro, 1922.
La voz muerta, 1922.
El espantoso secreto de Máximo Marville, 1922.
Dos manos blancas, 1922.
El hombre de hielo, 1922.
Una aventura extraña, 1922.
La sonrisa de Vadi, 1922.
El aviso telefónico, 1922.
El silencio, 1922.
Las huellas, 1922.
El hombre a quien amó Alejandra, 1924.
La muchacha de las alucinaciones, 1924.
El infierno, 1924.
Una ligereza, 1925.
Las defensas del cerebro, 1925.
La sencillez fragante, 1925.
Lucrecia y Mesalina, 1925.
La puerta franqueada, 1926.
Ocho meses de amor, 1926.
Jack, el destripador, 1926.
La Olimpiada de Bellas Vistas, 1926.
Las infamias de un vizconde, 1927.
Los 38 asesinatos y medio del castillo de Hull, 1936.
El naufragio del «Mistinguette», 1938.
Diez minutos antes de la medianoche, 1939.

Narrativa breve

Pirulís de la Habana, 1927.
Lecturas para analfabetos, 1927.
Máximas mínimas, 1937.
El libro del convaleciente, 1938.
Novísimas aventuras de Sherlock Holmes, 1939.
Exceso de equipaje, 1943.
5 kilos de cosas, 1956

Guiones cinematográficos

Es mi hombre, 1927.
Se ha fugado un preso, 1931.
Wild Girl, 1932.
Six Hours to Live, 1932.
El rey de los gitanos, 1932.
La melodía prohibida, 1932.
Los expresos y el expreso, 1933.
El amor de una secretaria, 1933.
Cuando los bomberos aman, 1933.
Ruskaia gunai zominovitz, 1933.
Emma, la pobre rica, 1933.
Pursued, 1934.
Asegure a su mujer, 1934.
Angelina o el honor de un brigadier, 1934.
Usted tiene ojos de mujer fatal, 1936.
Las cinco advertencias de Satanás, 1937.
Margarita, Armando y su padre, 1937.
Un anuncio y cinco cartas, 1938.
El fakir Rodríguez, 1938.
Mauricio o una víctima del vicio, 1940.
El amor es un microbio, 1944.
Eloísa está debajo de un almendro, 1943.
Es peligroso asomarse al exterior, 1945.

Colaboraciones en prensa

La Nueva Humanidad
La Correspondencia de España
Los Lunes de El Imparcial
La Acción
Chiquilín
Las Provincias
Aire Libre
Nuevo Mundo
Mundo Gráfico
Buen Humor
Gutiérrez
Ondas
La Voz
El Sol
Heraldo de Madrid
Informaciones
Blanco y Negro
El Liberal
Comedias
El Alcázar

Referencias

Evangelina Jardiel Poncela (1999), Enrique Jardiel Poncela: mi padre, Biblioteca Nueva, Madrid.

Enrique Jardiel Poncela (1928), Amor se escribe sin hache, parte final de la obra.

Jardiel siempre mencionó esa detención, que creyó procedente de alguien cercano al mundo del teatro, junto con la incautación por un grupo de milicianos de su automóvil y la profanación en 1937 de la tumba de su madre, como las razones que le llevaron a tomar parte a favor de las tropas franquistas durante la guerra y la posguerra.

Fernando Fernán Gómez, en su libro de memorias El tiempo amarillo, achacó esta reacción a las feroces diatribas contra «el envilecido vecindario del Madrid marxista», publicadas por Jardiel durante la guerra, y añadió que «aquella excursión le arruinó y fue el factor desencadenante que contribuyó también a arruinar su salud».

Bibliografía

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Conde Guerri, María José et. al., El teatro de Enrique Jardiel Poncela, Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Zaragoza, Aragón y Rioja, 1985 (ISBN 84-505-1279-4).
Conde Guerri, María José, El teatro de Enrique Jardiel Poncela: aproximación crítica, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Madrid, 1981 (ISBN 84-00-04765-6).
Congreso de Literatura Española Contemporánea (junio de 1992, Málaga), Jardiel Poncela: teatro, vanguardia y humor, actas del Sexto Congreso de Literatura Española Contemporánea, Universidad de Málaga, 10 al 13 de noviembre de 1992 (ISBN 84-7658-414-8).
Escudero, Carmen, Nueva aproximación a la dramaturgia de Jardiel Poncela, Editum: Ediciones de la Universidad de Murcia, 1981 (ISBN 84-600-2383-4).
Fernán Gómez, Fernando, El tiempo amarillo. Memorias 1943-1987, Debate, Madrid, 1990, t. II.
Flórez Diez, Rafael, Jardiel Poncela, Ediciones y Publicaciones Españolas, 1969 (ISBN 84-7067-100-6).
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Gallud Jardiel, Enrique, Enrique Jardiel Poncela: la ajetreada vida de un maestro del humor, Espasa-Calpe, 2001 (ISBN 84-239-3897-2).
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Martínez Peñaranda, Enrique (2004). Vázquez (El dibujante y su leyenda). Madrid: Ediciones Sinsentido, Colección Sin Palabras, Serie A nª 04 (ISBN 84-95634-49-X. Depósito legal: M-39015-2004).
Nemencia Legás, María, Margarita Ramírez de Arellano Apellániz y Susana, Eloísa está debajo de un almendro, de Enrique Jardiel Poncela, Madrid (Comunidad Autónoma), Servicio de Documentación y Publicaciones, 2004 (ISBN 84-451-2623-7).
Sánchez Castro, Marta: El humor en los autores de la «otra generación del 27»: Análisis lingüístico-contrastivo — Jardiel Poncela, Mihura, López Rubio y Neville. Frankfurt am Main: Peter Lang, 2007 (ISBN 978-3-631-56395-3).
Valls, Fernando, y Roas Deus, David, Enrique Jardiel Poncela, Eneida, 2002 (ISBN 84-95427-11-7).
Ventín Pereira, José Augusto, Los juglares radiofónicos del siglo XX: Jardiel Poncela, Universidad Complutense de Madrid, Instituto Universitario de la Comunicación Radiofónica, 1998 (ISBN 84-600-9472-3).
Vida y obra de Enrique Jardiel Poncela Siglo Ilustrado, 1970 (ISBN 84-7253-033-7).

Enlaces externos

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Enrique Jardiel Poncela.
Enrique Jardiel Poncela. Maestro del humor, sitio web familiar sobre el autor
Jardiel cumple 100 años, en el Centro Virtual Cervantes
Dossier sobre Enrique Jardiel Poncela en el diario ABC
«Jardiel Poncela en Hollywood: La melodía prohibida», por Juan B. Heinink y Robert G. Dickson
«Enrique Jardiel Poncela y las Vanguardias artísticas. El papel de la pintura en "Pero... ¿hubo alguna vez once mil vírgenes?" (1930)», por Cécile François
«Banditi, vendetta, debito di sangue y otros tópicos de la Córcega romántica en ¡Espérame en Siberia, vida mía! de Jardiel Poncela», por Cécile François
«De Pero...¿hubo alguna vez once mil vírgenes? a Usted tiene ojos de mujer fatal. Análisis de la adaptación teatral de una novela de Enrique Jardiel Poncela», por Cécile François.
«Los cuentos de Enrique Jardiel Poncela. Una forma literaria al servicio de la renovación del humor», por Cécile François
«Dénonciation et récupération du stéréotype dans l'œuvre romanesque de Jardiel Poncela» por Cécile François
«Religión, profanación y satanismo en Pero… ¿hubo alguna vez once mil vírgenes? de Jardiel Poncela» por Cécile François
«Análisis de los títulos de la trilogía novelesca de Enrique Jardiel Poncela en su dimensión ética y estética» por Cécile François
«Enrique Jardiel Poncela y D.H.Lawrence. Lady Chatterley's Lover bajo la mirada burlona de un humorista español» por Cécile François
«Enrique Jardiel Poncela y la novela cosmopolita de principios del siglo XX» por Cécile François
«Jardiel Poncela onomaturgo. Apuntes sobre unos nombres femeninos de la trilogía humorística» por Cécile François
«Enrique Jardiel Poncela y el eros negro del decadentismo francés» por Cécile François
«Desmitificación del Latin Lover hollywoodiense en la trilogía novelesca de Enrique Jardiel Poncela» por Cécile François

Encuestas de sensibilidad para adictos a lo romántico (Juan Carlos Pazos)

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miércoles, 18 de enero de 2017

Sí, hubo cine de miedo sin zombis